当代艺术展与色彩的关系

 当代艺术展中色彩的表达

艺术作品需要通过展厅进行表现，应用理论与包装设计理念类似，需要考虑色彩搭配与展览内容的一致。不同的色彩能让人产生不同的情绪，直接决定了观众对整个展览的印象，展厅的色彩搭配与展览内容紧密关联可以真实反映创作者的意图。

当代艺术颇受社会的影响，主要表现在批判现实社会对人性的压抑，所以当代艺术区别于传统，脱离写实走向抽象主义，摆脱表达创作者本身的个性而强调艺术作品本身。正是因为这样“无界限的风格”当代艺术是应用于几乎所有的形式去创造性与表达，包含范围极为广泛，从美术、设计、文学、舞蹈都有涉及，与之相对应的艺术展中展厅的色彩环境也是复杂多变的的。同样的，当代艺术展也不只局限于一种风格，可能会融入多种不同风格，以草间弥生的作品为例，她被创作家评论归类到多个的艺术派别，包括女权主义、极简主义、超现实主义、波谱艺术和抽象表现艺术等等。正是这些不同艺术风格的融入让草间弥生的作品富有极大的辨识度，其中波谱艺术是她的作品中极具代表性的艺术特征，草间弥生喜欢波点，喜欢强烈而丰富的颜色，且善用饱和度非常高的色彩，一种颜色会占据大部分空间，而占据最大面积的色彩，其色相和色调对整个展览空间的风格和气氛具有引领作用，她的“圆点”象征着太阳、月亮等关于起源的东西，并且用这些重复的“圆点”塑造出属于自己的独特风格，使观众可以窥之那个属于她自己的疯狂色彩背后的安静的世界。

色彩带给人的感觉是特殊的，展示空间的色彩与人的感情色彩相通，所以色彩是观众进入艺术家世界的直通车，也是环境设计的灵魂，对展示空间中的展体构成、空间气氛和展品具有极大的影响。色彩是富有感情且充满变化的，例如，白色在西方代表纯洁、超凡脱俗，黄色在中国古代代表尊贵与奢华，不同的地方不同的文化赋予颜色不同的意义，色相、明度、饱和度的差异带来的是不同的寓意与意境。因此，每一种色彩都有自己独特的含义，就像词典中的每个词都一定有与之对应的含义。

当代艺术展与色彩的关系

色彩是神秘的，它本身并不真实存在。它就像声音和气味一样，使大脑对动态的波和颗粒作出的回应。色彩本身具有如此抽象的形而上学的属性，不同颜色产生生动具体的情绪反应，艺术家常希望靠色彩将观众与生活以及周边世界进行联系，这也是艺术展能够打动人心的力量。色彩是艺术家变现自我的最好的手段，是信息传播的语言，是一种符号形态。

在当代艺术展中，服装展示艺术也是属于当代艺术其中一种，服装展中的色彩主要运用在成衣中，而展览中的色彩布局通常是围绕成衣的色彩来搭配设计，主要起衬托作用。色彩作为艺术家表达自我态度最强有力的手法，有时候也会成为艺术家的代表特征。比如在时尚界，“黑乌鸦（the crows）”是对川久保玲（或山本耀司）这两位日本设计师的印象。这主要是由于大部分消费者对川久保玲色彩运用的认识都是1982年川久保玲在巴黎时装周中的处女秀，这个秀的主体色彩都是以黑色为主，与当时色彩绚烂华丽的主流审美格格不入，所以给当时的时尚界带来了极大的冲击。

川久保玲认为黑色是舒服的、有力量和富于表情的，具有简洁和空间感。在川久保玲在这场处女秀展中一众发如枯草，身着黑衣，浑身破洞的模特鱼贯而出，悲悯的氛围迅速在空气里弥漫开来，而展览中的环境以极简的灰暗色调为主更是使秀场瞬间化为一场乞丐的游行。模特身着的成衣都是糟毁的，颜色是污浊的，一些套头衫浑身都是大洞，甚至被记者称为“瑞士奶酪”，而展览的布局也是运用单一的黑白灰色调兼顾空间和简洁性，体现日本的极简主义、虚无主义和Walt Disney的混合体，似简单似复杂，有些奇怪但令人着迷。

随后，1988年她发表了“BLACK系列”（某种意义上来说,川久保玲提到的“BLACK”指代的不是主流意义上的黑色，更像是非主流的色彩，因此才会有了红即黑的说法），将红色搬上了天桥。自此，红黑也一度成为川久保玲设计风格的代表色。 这种设计唱反调的服装却因为强硬不妥协的态度而爆红。决不妥协于泛滥的主流，且不按外界的期待出牌，恰巧就是川久保一度将色彩融入自己设计中的原因选择它们，是因为它们拥有着川久保所追寻的意义：以极简主义的色彩，阐自己的想法——用强势创造强势。

小结

色彩在展览设计中起着改变或者创造某种格调的作用，会给人带来某种视觉上的差异和艺术上的享受，人进入某个空间最初几秒内得到的印象75%是对色彩的感觉，然后才会去理解形体，所以色彩在展览中的地位极其重要，缤纷的色彩只有人们读懂了它的意义，他们的存在才有意义。运用色彩不断的组织新的语言，这个过程是艺术家不断创作的过程，也是艺术家将自己内心刨析于众的过程，是艺术家世界观、人生观、价值观最好的综合体现。