浅析波普艺术风格在商业人像摄影中的运用

一、波普艺术产生的历史背景

波普艺术（Popular art）是音译词。从英文原词popular art可以看出，波普艺术绝非是严肃的，正统的艺术表现形式。正如“波普之父”汉密尔顿所说的那样，“大众的艺术、是短暂的、廉价的、大量生产的、年轻的、刺激的、巧妙的诱人的和大量传播的。①”从这个定义可以看出，波普艺术从一开始就与商业社会的消费主义倾向有着脱不开的，极其紧密的联系。而从波普艺术的发展历史来看，它于上世纪50年代中期诞生于英国，六十年代随着在美国的繁荣，令波普艺术对国际也造成了极大的影响。它反映了上世纪五六十年代冷战背景下的迷茫与困惑，人们不再探索世界的意义，厌倦了哲学无尽的形而上学的争吵，又受困于两个超级大国之间一触即发的核危机。人们开始追求表面的，无意义的刺激与快乐。某种程度上来说，波普艺术与上世纪后半段的后现代主义浪潮的兴起有着密不可分的关系。在后现代的思潮之中，取消中心，关注边缘，构建话语权，表面的还原都是其思想特征。可以说，波普艺术反应了这一思想浪潮的兴起，也是这一文化语境与时代精神的结晶。

在中国，随着1989在国家现代艺术展的三幅王光义肖像画的出现，波普艺术正式进入我国。而90年代以来，以经济发展为中心的政策，一方面在使得社会富强的同时，人们又看到了社会道德水平的下滑。在这段时间以来，波普艺术也越来越被广泛的运用于商业社会的运行之中。在学术界，也有多篇的论文对波普艺术展开了多方面的研究，例如李木子的《中国式波普艺术的若干特征》②，论文讨论了中国波普艺术的发展与历史价值，其还有一篇论文《中国波普艺术的理想和表现手法》③，讨论了中国的波普艺术，并结论道从来没有一种艺术手法， 能如波普艺术这样，使其他一切艺术手法都与其发生联系。本文试图在这些前人研究的基础上，通过探讨波普艺术风格在商业人像摄影中是如何运用的，来更好的理解波普艺术。正如上所述，波普艺术的发展与后现代思潮的发展具有联系性，在后现代思潮中，高雅与低俗之分被一种更为平等的视角所取代，边缘与主体的区别不再明显，关注边缘，而又不使得边缘成为主体，是后现代思想重要的一个特征。波普艺术也同样如此，在平面摄影上，波普艺术的出现，破坏了艺术的高雅与粗俗的分别，在摄影方面，波普艺术多运用纯色，高亮光等特征，使得摄影更为具备视觉的冲击力。在下文中，我们将先分析波普艺术的三个特征，再探讨一般人像摄影的特征，最后探究波普艺术对于商业人像摄影的影响。

二、波普艺术的艺术特征

波普艺术的艺术特征，从抽象的关键词上来说，消解、标准化、表层、去中心等都是人们常常用来标识波普艺术的词汇。但是具体而言，波普艺术主要呈现出三种艺术手法④：

第一种——挪用。一般而言，艺术的制作是从已有的部分，加上自我创作的部分的作品。但是，秉承了后现代思潮的波普艺术显然没有这种打算。如同福柯通过对历史的解构与重新组合来说明话语体系，权力体系的构造性那样。波普艺术也通过对已有的素材的重新组合，来完成对文化的再生产与意义的再创造。

第二种——拼接集成。正如上文所说，在挪用的过程之中，波普艺术不再追求所谓的原创性或者审美性，而是试图在已有的素材之中，将这些素材重新的配置与组合。波普艺术家们发现，一系列的旧的元素，可以通过种种的方式拼接为新的组合，而新的组合又在更大一个层面成为一个元素，从而完成了另一个组合。“这种无穷生成的过程才把人类带到一个不确定的未来和一个不可预言的目的。”[]而同时，在这一拼接过程中，所呈现的对于人们正常的认知的冲击，视觉效果的极大的刺激，进而挑战人们所熟知的现实世界，也是波普艺术家们的目标。

第三种——机械复制。正如前文所说，波普艺术是伴随着二战结束后，消费主义的盛行而随之而起的艺术思潮。它具有标准化的特征。而标准化的特征中，最为明显的两点就是机械性和复制性。波普艺术放弃了传统艺术所强调的审美性与严肃性，而是追求感官上的最大限度的刺激与挑逗。为了达成这一目的，必须寻求出人类审美的最大的公约数，并且将其简化，从而可以机械化的复制生产。当然，这里并非是在批判波普艺术。恰恰相反，这正好说明波普艺术是一种极其适宜于展现的艺术风格。

而波普艺术由于拥有着以上的三个特征，所以波普艺术在消费主义越演越烈的现代社会中也得到了极其广泛的运用，特别是在商业人像的摄影之中。

三、波普艺术的影响

     摄影的出现，似乎天然的与波普艺术是结缘的。摄影对于事物的定格，可复制性，都使得它和波普艺术有天生的亲和力。而在众多的波普艺术家之中，安迪·沃霍尔应当算是最具有代表性的一位了。对于一般艺术家所坚持的原创性的观念，安迪·沃霍尔突破了这一原则。在他的艺术之中，可大量重复的，千篇一律的作品才是他所试图表现的。

在他1967年所创作的《玛丽莲·梦露的头像》这一作品之中，以同样的玛丽莲·梦露头像的图像，配合上不同的色调，不同的明暗的对比，进而引发了观看者不同的情绪。在这之中，玛丽莲·梦露头像画像是可复制品，而作者所作的，只是将头像并列，并配合不同的明暗色阶。这一组头像，反应了现代人心灵的空虚与主观性，也体现了波普艺术的商业性。它在通俗易懂的同时，又消解了现实世界的客观性。尽管是同样的头像，但配合上不同的明暗色阶，则给人完全不同的感受。这一点反过来印证了人们对于世界的理解是具有相当的主观性的，这一点也与后现代的思潮有密切的关系。

可以看到，波普艺术的发展给现代摄影提供了更多的可能性。一般来说，摄影依赖于摄影设备、模特、环境、灯光布景等相关要素的组合。而在传统的认知之中，我们往往更倾向于选择五官漂亮，身材匀称的模特。而灯光、布景等元素，很大程度上是遵循着传统的、程序化的模式。而波普艺术的兴起，则为摄影提供了更多的可能性。人们开始关注平面艺术的相关元素如何与摄影的元素进行结合，这是上文所提过的波普艺术拼接集成的特点。

事实上，这种融合本身是卓有成效的。很多一般的摄影作品，主要依靠的是模特本身，而对于模特以外的元素，则不大关注，仅仅要求及格就好。但是波普艺术的到来，使得人们在摄影的过程中，加入了相关平面艺术的元素。例如，不再过分的关注模特这一元素，而是运用模特自身的特征辅助相关的元素，造就画面的多样化和对比性，并以此揭示出传统模式的僵硬性。

现代的商业人像摄影引入了波普艺术之后，其呈现手段和形式变得更为丰富多彩了。这主要体现在以下的几点之中：

第一，波普艺术有效的增强了人像摄影的感染力和表现力。在一般的摄影作品中，精致感是重中之重，这表现在模特精致的五官上，画面的高雅上以及色调与光源的柔和统一上。但是，这类作品已经太过泛滥，以至于人们对这种单调的，强调精致的，引起人们内心向往情感的作品逐渐的产生了反感。在这种情况下，波普艺术的引入，有效的化解了人们对于传统人像摄影作品的感受，例如上文所提及的《玛丽莲·梦露头像》这一照片，运用了简约有力的明暗对比，不会如同去强调奥黛丽·赫本精致的五官那样去强调玛丽莲·梦露的五官，而是运用光线，使得这一简单的摄影记录作品具备了平面艺术的特征。反而给人留下更深刻的印象。

第二，波普艺术之中往往涵盖大量的流行的、商业性的符号。从波普艺术的发展来看，其本身就是商业浪潮的直接的思想反应，而当人们将这一艺术形式用在人像摄影中时，我们可以发现，波普艺术由于引入了流行元素，使得它更具有新鲜感，更容易给人们刺激。

第三，波普艺术对现代艺术设计手法和电脑技术也广泛的吸收并加以运用。通过吸收先进的艺术理念和运用高超的电脑技术，波普艺术家们将挪用、拼接集合和机械复制运用到了极致。模特不必摆出专业的姿势，而是具备了更多的可能性，可以夸张，悲伤，失态甚至大哭，波普艺术家试图尽可能的还原生活本身，并在这种还原之中突破生活本身的惯例。毫无疑问的是，这种突破性和波普艺术的可复制性，使得艺术家们能够迅速地运用这些手法打造一个商业明星。